Olafur Eliasson e seu "One-Way-Colour Tunnel"

O Douglas Dickel anda publicando referências a uns artistas bastante interessantes. Dependendo da relação, fui lembrando de alguns semelhantes e sugerindo nomes. Robert Smithson foi um. Também Paulo Vivacqua e Olafur Eliasson.

Pensando numa forma de organizar e expandir isso e aproveitando a proximidade da Bienal do Mercosul, tive a idéia de listar o que já pude conferir ao vivo e, naturalmente, o que considero que vale a pena ir atrás. A lista estará no delicious, e pretendo atualizá-la regularmente.

Fora a grande vontade de conferir, alguma coisa me inquietou na imagem que ilustrava o texto.

Demorei alguns minutos até perceber que o fotograma remetia ao estilo de pintar de Edward Hopper, realista norte-americano da primeira década do século 20. Temática e emoções evocadas à parte, me pareceu que toda a cor e a iluminação da cena feita por Wenders encontra ecos em quadros como esse, esse, esse ou esse outro, mesmo que seja um recorte noturno.

Estou ficando completamente obcecado pelo trabalho do Robert Smithson. Apesar do caráter beat que sempre me deixa com um pé atrás, é inegável que esse cara tinha sensibilidade e reflexões ímpares. Eu ia dizer alguma coisa envolvendo extra-sensorial, mas daí já é Kerouac demais.

Considerando seriamente juntar dinheiro para ir a Utah ver o Spiral Jetty. Prevendo que vá acontecer caso eu pise nos EUA antes de morrer. Achando ótimo*.

*Parágrafo-Firpo

No geral, o que mais me agradou foram os trabalhos de fotografia envolvendo também instalações e performances. A série de fotos da Brígida Baltar (que é destaque no site e também no grande banner em frente ao Santander), A coleta da maresia, tem nome e resultado igualmente belos. O mesmo vale para a Rivane Neuenschwander, que fez algo muito legal com macros, insetos, bolhas de sabão e cores fortes.

Algumas instalações ótimas, também. Tem uma, não sei de quem, que é um galho na parede ligado a um footswitch. Piso ou não piso nesse troço?, pensei segundos antes de acionar o botão. De algum jeito a parede inteira começou a tremer fazendo um barulho MUITO alto. Segurei um ataque de riso que certamente colocaria tudo a perder.

Outra boa é do Paulo Vivacqua, que colocou diversos alto-falantes por baixo de um vidro. Todas as caixinhas expelindo sons de sinos delicados, e mesmo assim fiquei com a sensação de que, cedo ou tarde, tudo iria explodir em milhares de cacos. A sensação é difícil de descrever.

Recomendo o passeio, mesmo para quem fica ranhento só de ouvir o termo arte contemporânea. Tem coisas para todos os gostos, até mesmo pinturas realistas e algumas fotos que não podem ofender quem acha que a arte acabou no impressionismo.

The Russian Art Gallery.

Muita coisa me agradou. Mais do que em todas as edições. Gosto do Amilcar de Castro. Gostei de uma pintura da Sandra Cinto e mais algumas coisas que não anotei o nome.

A sensação de estar dentro do museu vazio, instalação da dupla russa Ilya & Emilia Kabakov, é indescritível. É uma idéia simples e aterradora.

Todas as críticas que li em blogs e jornais citando o fato de “não ser arte” o que é exposto nas bienais nivelam-se à opinião da Martha Medeiros sobre o assunto. Seria só uma pena, se não fosse preocupante.

É muito interessante (e às vezes surpreendente) ver a reação de diferentes pessoas a um espaço que convida simplesmente a relaxar. A história toda pode ser conferida nessa matéria.

Apesar da projeção curta (pouco mais de uma hora), é de difícil digestão. Mesmo destituída de experimentalismos, a narrativa insiste na repetição de termos chave, que envolvem não somente imagens, mas também conceitos e palavras aparentemente sem sentido para o espectador estrangeiro.

Com o passar do tempo, no entanto, é incrível como se fica preso à figura do pacato senhor barbudo. A forma como ele se veste (sempre com um colete de caçador, com duas canetas fixadas no bolso da frente), sua capacidade de sempre responder de maneira diferente uma mesma pergunta e seu apreço pelos timbres das palavras beiram o comovente.

A câmera é praticamente estática, quase sempre focando de perto o rosto ou estancando em planos médios. Butor quase escreve um livro simplesmente com a sua presença; cabe ao diretor quebrar a harmonia com algumas intervenções irritantes, mas que acabam se justificando justamente por injetar um fator pitoresco na fala fluida do autor. As interrupções servem para que ele não conte simplesmente uma história, mas que o faça também revelando alguns meandros do seu processo criativo.

E é aqui que entram os fluxos de consciência, algo que comentei a respeito num post do Parada sobre Roland Barthes. Parece que grande parte dos franceses não se contenta (ou não consegue) falar sobre algum assunto sem tergiversar loucamente. É o exemplo clássico do intelectual que fala, fala e não chega a lugar algum. Algumas vezes, conseguem grandes acertos (como algumas passagens de “A Câmara Clara”). Mas será que vale a pena tanta conjectura para sublinhar umas quatro linhas?

De qualquer forma, me parece admirável, pelo menos no caso do Barthes, a facilidade de transpôr esses fluxos para o papel. E é o que Coulibeuf também consegue fazer no seu filme, apenas instigando o seu personagem a falar, falar e dar opiniões sobre temas abstratos (“ideologia”; “política”; “novo romance”). Proposta potencialmente enfadonha, mas que mostra-se bastante interessante quando se tem algo totalmente fora do assunto a se dizer.

No momento em que Butor começa a falar sobre a importância que dá ao som e à pronúncia das palavras, comecei a perceber o quanto isso fazia sentido. Foi a comprovação de algo que comecei a sentir logo no início: as legendas em espanhol eram praticamente a mesma coisa que saía da boca do senhor de cabelos grisalhos falando no seu idioma nativo. Nesse momento, ficou transparente na minha cabeça que absolutamente tudo era a mesma coisa, seja qual fosse o código ou como era apresentado.

Saindo da sessão, encontrei amparo nas minhas sensações e fiquei bastante satisfeito com a experiência e por ter me submetido a ela. Numa generalização barata, penso que na França se produz mais com a intenção de botar para fora do que de significar algo. Revirando a bagunça, sempre dá para encontrar algum brinde que vale a festa. E quando isso acontece, é bom guardá-lo como se fosse um troféu.